Le disco n'est pas qu'un style mais un mouvement à part entière, qui vit le jour au début des années 70 en réaction au rock. A cette époque, le rock est endeuillé de décès brutaux et se perd dans l’excès (à l'exemple du métal). Le disco se retrouve en totale opposition, il s'inspire du funk et de la soul, c'est une musique entièrement dédiée au boites de nuit, c'est la musique de danse par excellence, sa rythmique rapide lui donne son énergie. Au delà d'un style musical le disco réuni autour de simples pas de danse une majorité d'individus de toutes sortes : hommes, femmes, jeunes et moins jeunes,  hétérosexuels, homosexuels (dont les droits sont enfin reconnus grâce à de nombreux mouvements sociaux); sans aucun message politique ou militant, il a contribué à l'union des classes sociales. Le disco est à l'image d'une religion, on trouve le film emblématique la Fièvre du samedi soir avec John Travolta. Les night club deviennent des temples de la danse et de la futilité (comme le studio 54 à
New York ou le Palace à Paris) où le DJ est le grand prêtre. Mais cet esprit de fête rime aussi avec consommation de drogues. En effet, le disco coïncide avec l'émergence de la cocaïne en provenance d'Amérique du sud et  l'apparition des drogues synthétiques. Ces substances provoquant euphorie, confiance en soi et endurance, elles sont "idéales" pour les personnes soucieuses de tenir jusqu'au bout de la nuit !
Ce nouveau mode de vie de nuit crée des modes aussi bien vestimentaires que dans le design : Il faut briller ! Chacun à le droit à son quart d'heure de célébrité (comme le disait Andy Warhol lui même adepte du studio 54), alors riches ou moins riches s'accordent pour des vêtements voyants, très colorés et moulants, il faut se faire remarquer sur le « dance floor »! Les matières synthétiques sont à la fête, bodys en lycra brillants, pantalon hyper stretch, gilet en lamé or, maillots en peau de léopard et vêtements blancs brillants aux
néons UV des boites de nuits. Les vêtements de sport et de danse moderne sont adaptés pour la piste de danse et sont largement utilisés. Les gens doivent avoir bonne allure pour rentrer dans les clubs et faire partie d'une atmosphère de stroboscopes boules à facettes et spots colorés. Les objets et les meubles suivent le même esprit, l'intérieur doit rappeler le night club pour les soirées privées : « lava lamps », fauteuils en plastique, lumières colorée, couleurs vives, paillettes et formes rondes; la position assise est privilégiée avec de nombreux canapés, poufs, fauteuils, etc. l'un des meubles les plus marquant et représentatif serait le siège œuf – egg chair –  avec hauts parleurs intégrés, petite alcôve pour écouter sa musique disco. Le plastique est roi jusqu'en 1973, où le choc pétrolier ralentit son utilisation, mais le hight tech reste de mise, l'industrie se réapproprie les innovations technologiques. Le début de la conquête spatiale lance cet esprit de découverte et influence de nombreux domaines. La trilogie Star Wars de Georges Lucas a un grand succès au box office, le mobilier et l'architecture en sont fortement inspirés : on observe une continuation des styles mais le déconstructivisme illustre bien cet attrait pour des lignes futuristes et extravagantes  à l'image des Géodics de Frank O. Gehry. Dans l'art Vasarely illustre cette mouvance avec ses tableaux tridimensionalistes aux impossibles volumes multicolores créant des illusions d'optiques rappelant les flash lumineux des nights clubs, c'est l'Op art, dont les principes se développe encore ici. Entre art, déco et graphisme on assiste également au "print making" avec des artistes comme Agnes Martin ou Edward Rusha qui utilisent l'impression offset pour réaliser leurs oeuvres. A la fin des années 70 , le disco devient moins "bon enfant", le mouvement fédérateur qu'il était devient pour certain un bon moyen de se faire beaucoup d'argent.  Drogue et corruption causèrent la perte des grandes discothèques. De plus le style musical des débuts s'essouffle et devient beaucoup plus électronique et radical, créant la house music. Au début des années 80, fini les grandes fêtes et les paillettes, la mode et aux sons plus underground comme le hip hop et l'électro minimaliste et les temples de la nuit  Disco ferment les uns après les autres.

http://images.google.fr/imgres?imgurl=http://bilderwerfer.com/twiki/pub/PPP/WebHome/disco-tom-anim.gif&imgrefurl=http://www.bilderwerfer.com/&h=381&w=255&sz=49&tbnid=DQ4-NZT3a2TPqM:&tbnh=119&tbnw=79&hl=fr&start=1&prev=/images%3Fq%3Ddisco-tom-anim%26svnum%3D10%26hl%3Dfr%26lr%3D%26sa%3DN

Chloé Terny

L’architecture de l’époque obéit  aux codes du style « Beaux-Arts » qui est une forme tardive du Néoclassicisme. Ses principales orientations proviennent, en France, de l'École des Beaux-Arts. Ce style atteint son apogée au XIXe siècle et plus spécifiquement sous le règne de Napoléon III, justement au même moment que la robe à tournure, et il perdure dans l’architecture jusqu’en 1968 ! De plus Il obtient un grand retentissement aux États-Unis à partir des années 1860 jusqu'au milieu du Xxe siècle.Sont caractéristiques du style « Beaux-Arts » :

-La symétrie;

-La hiérarchisation des espaces, nobles, ou pas ;

-La référence au passé plus ou moins marquée et la tendance à l'éclectisme, c'est-à-dire au mélange des époques : néo-roman, néo-renaissance, néo-byzantin, néo-classique...

Le résultat dépendra des goûts de l’architecte ou du commanditaire.

-Les détails architectoniques nombreux et finement réalisés : balustrades, statues, colonnes, guirlandes, pilastres entre portes et fenêtres, grands escaliers ou emmarchements, grandes arches;

-La polychromie, dans certains cas ;

-Le côté monumental et grandiose réservé aux grands bâtiments (publics ou privés).

 On y trouve aussi de grandes fresques et des mosaïques au sol, et parfois l’éclectisme est si frappant qu’on croit avoir rêvé des chauves souris ou des dragons sur les plafonds. À Paris, ce type d’architecture est la base dans de nombreux bâtiments : l’Opéra Garnier, le Palais du Trocadéro, les Grand et Petit Palais, l’école des Beaux-Arts (on s’y attendait…), etc.

 Mobilier

L’oeuvre du peintre James Tissot donne un bel aperçu du mobilier de l’époque (ainsi que des robes à tournures, au passage)

 http://www.artunframed.com/tissot.htm

Les meubles ont souvent 2 ou 3 glaces, histoire « d’avoir une image plus complète de soi ». Tout à un caractère fastueux : des formes généreuses, un décor riche et des couleurs franches. Certains meubles sont énormes, car une importance nouvelle est donnée à l’ornement, laissant peu de place au vide. Et quelle meilleure façon d’être raccord au décor que d’en utiliser les mêmes principes ? Comme cela a été déjà dit tout à l’heure, le style « tapissier » apparaît à l’époque. On utilise alors des drapés, des glands, des franges, des plissés…mais dans une certaine mesure tout de même puisque le but n’est pas de se transformer en trompe-l’œil, mais bien au contraire, de briller dans son environnement.

Pour les motifs, les fleurs sont à l’honneur, dessinées de façon stylisée, représentées dans des formes pleines, d’une teinte proche du fond.

 Ambiance musicale

En musique, on nage encore en plein romantisme, qui perdure depuis le début du XIXe, et avait puisé ses sources dans la littérature et les souffrances du jeune Werther. Le piano-forte vient remplacer le clavecin et délivrer toute la force et la sensualité musicale, avec puissance et contraste. On remanie les instruments pour leur apporter plus de « souplesse » et enrichir les orchestrations. Les sonorités inventées par les romantiques sont particulièrement colorées et évocatrices et donnent à « voir », ce qui était déjà perceptible dans les dernières compositions du maestro Beethoven. Ce qui est étonnant dans ce style, c’est qu’il a peu varié en un siècle ; cette continuité est peut-être due à une idéologie philosophique : la musique devient un art, elle n’est plus une œuvre d’artisan, c’est l’œuvre d’un homme, unique avec sa personnalité et son individualité. À écouter : Georges Bizet (Carmen), Johannes Brahms, Frédéric (mais non, pas vous, Gros Loulou, sinon, vous seriez mort) Chopin, Antonin Dvorak, Tchaïkovski (Le lac des cygnes), Berlioz, Mahler…

 Liens internet :

 la robe à tournure :

http://collections.ic.gc.ca/costume/collection/victorienne-II/index.html http://www.traditionet.fr/ladamedatours.nsf http://www.carnetdebals.com/costumestour.html

 architecture :

http://ah.bfn.org/a/archsty/sec

 et wikipedia pour le style beaux-arts, la musique romantique

 http://fr.wikipedia.org/wiki/Accueil

 photos prises à l’Opéra Garnier

 Carole Sertillanges

De la guerre de 1870 à celle de 1914, la femme reste ligotée. Par dessus la chemise, elle met un corset qui l'étrangle des épaules jusqu'aux cuisses. En effet, le rôle du corset est de comprimer le buste. L'histoire du corset est assez longue. Il apparut pour la première fois pendant la période minœnne (vers 1700 av JC) et a ensuite virtuellement disparu jusqu'à la renaissance. Le corset est toujours porté aujourd'hui, et fait même un grand retour. Sa forme a changé continuellement à travers l'histoire avec une conception esthétique de la silhouette féminine, influencé par la mode, le design et le type de robe. Pendant un temps, il fut ample et redevînt petit comme une large ceinture; parfois, il accentuait ou rehaussait la poitrine pour la minimiser ou l'aplatir ensuite. Souvent, il accentuait la taille ou amplifiait les hanches. En 1900, la femme commence à établir un idéal, le corset devient plus long en dessous de la taille et plus court au dessus. Quelques corsetiers de Paris firent descendre le corset, laissant visible les hanches et un buste bien formé. Il donnait une rondeur à la taille et une ampleur aux hanches.

Selon la règle habituelle, femmes, meubles et architecture évoluent ensembles…. si l’on puis dire. En 1900, l'Art Nouveau apparaît, celui-ci appelé par ses détracteurs "le style nouille" en raison des formes arabesques caractéristiques ou encore "le style métro" du fait de ses liens avec la réalisation des bouches de métro Parisiennes par Hector Guimard.

Ce style décoratif caractérisa l'architecture, les arts appliqués et l'ébénisterie de 1890 à 1910 environ. Dominées par la ligne courbes, les oeuvres de cette période se caractérisent par des compositions souvent asymétriques, enrichies par des motifs végétaux stylisés: feuilles, fleurs, branches...mélangés à d'élégantes silhouettes féminines.

Il y a une volonté chez les artistes comme René Lalique, Eugène Gaillard ou Samuel Bing de prôner l'étude des formes naturelles, à l'emploie des formes épurées: la régénération de la société ne se fera selon eux que par la vérité des formes qui l'entourent et dont elle use. Lorsqu'on regarde de plus près le corset 1900 et le mobilier qui l'entoure, on s'aperçoit qu'il y a la même ressemblance entre une chaise directoire et une femme en tunique qu'entre le "S" formé par la femme 1900 et le "S" des pieds de tables; des broches, et des entrées de métro. Tout s'est passé comme si, vers 1890, une mutation de goût s'était produite et qui se reflétait en même temps dans le guéridon de Galey et le corps féminin. Débarrassé de la torture, le corset, pour parvenir à former le "S" doit s'abandonner à la fureur d'un nouveau corset. Le bas du corset meurtrit volontairement les aines pour obliger à celle qui le porte à chercher un soulagement en creusant les reins. L'engin s'appelle un "sans ventre". Il est fermé par des crochets et continu à être porté sur la chemise, qui, tendue à l'extrême, se charge à elle seule de soutenir les seins. Grâce à ce corset, la femme 1900 présente derrière elle un énorme fessier, avance le ventre de manière presque horizontale et le buste est projeté en arrière. Toujours emmaillotée par ses dessous, toujours hermétique, encore plus meurtrit et tyrannisé, la femme 1900 n'a gagné qu'en étrangeté. Par son aspect, elle nie posséder une colonne vertébrale et un abdomen et se vante d'une croupe illimitée. Le rapprochement du corset 1900 et du style Art Nouveau se fait surtout par une volonté d'innovation formelle, inspirée de la nature.

Florence Salazar